驛站

終於有個攝影展讓我覺得收穫滿滿了！

比起相片，我更喜歡藝術家藉由攝影玩出不同的效果、不同的呈現方式，影像不見得只有底片與光影，如何創造出新的可能，才是突破的重大關鍵。

在此分享幾個讓我感到新奇的體驗。

展場第一部分就被李佳祐帶領進入攝影師的孤寂，這件作品獨立擺放一個空間，場內伸手不見五指，連同音響也吸得一乾二淨，恍若黑洞，我是個膽子大的人，置身在狹長的漆黑中仍不免顫抖一番，但內心又非常興奮，當四周靜至某個程度，人會聽見自己的心跳聲，我就在些微恐懼與享受獨處的狀態下不斷向前摸索，待眼睛適應黑暗，微弱的光線出現於牆面，到底，就碰見了這件作品──黑暗中的森林。

我腦海自動補上與森林有關的曲子，但隨即又被抽離腦海，耳邊嗡嗡響，因為太安靜，我與這棵樹站在同一個空間，彷彿就我們倆，攝影師所要呈現的意涵此刻也不重要，我如臨其境，像個菜鳥旅人。

侯怡亭與邱國峻的概念是相近的，將相片轉印在布上，依此紋路繡出色彩，讓老照片不再只是泛黃黑白，翻新後整體聚焦的效果更勝，將兩種藝術形式結合一起，創造出相片呈現的另一種可能；邱國峻的神遊之境系列不僅繡，還裝上了立體物件，也在不同作品內加入自己想像的素材，他對宗教的理解不單是歷史或長輩傳承，還有一套屬於自己的解讀，漸漸轉化為個人獨有的信仰。

洪政任不僅把相片浮雕了，更有趣的是他用自嘲式的手法，把原本失去家鄉的痛苦無助用幽默荒誕的畫面呈現出來，裡頭的主角都是他本人，他好像將自己與作品融為一體，共同切割、扭曲變形、褶皺拼貼，縱然滿是濃濃的無奈，卻以非常態的表現加深觀者印象。

我想起紅毛港的題材也有另一位攝影師選用──陳伯義，他的傷痛美學又是另一個層次，用明亮鮮豔的色彩紀錄破敗的廢墟，面對那樣的作品，出於憐憫你無法說喜愛，也不會有人把天災的遺跡高掛牆上收藏，但眼神接觸的當下，你會訝異它的病態美，顏色騙了你的大腦，在理解它所包含的苦難前，感受不到沉重，絕對會讓人不由得多看幾眼。

浸水發霉的底片，乍聽之下好像挺慘的（是真的慘），但藝術家就是有本事將淘汰的東西變成另一種創作形式，我選擇放這張不是因為小孩很可愛，而是瀏覽這系列作品時，只有它清楚的告訴我，大水如何無情的將它吞噬，畫面還能瞧見清楚的波光，彷彿此刻它仍靜靜漂浮水中，光線透了下來，穿過（羊水中）孩童的臉，拉開新生命的序幕。

談到李國民理應說它那面曝光無數次的牆，但「心經」對一個沒有耐心的人似乎起不了化學作用。我要說的，是這系列創作，比起平面縱橫排列的白牆照片，我更喜歡這個方塊內的設計，每一面都是主角不同的表情，這個如果有人要客製化送我絕對能獲得青睞！（我知道有些藝術家不喜歡作品被商品化，但我不帶貶意，只是表達，若主人翁是我，我非常樂意收藏）

陳以軒與張雍，都是表達缺陷美，這些非正式的失敗之作都是藝術創作的其中一隅，陳以軒的手指頭意外變成一抹新鮮，而張雍就連NG都要很優雅很耐人尋味，我個人覺得是國外的氛圍影響所致，西方控的人看西方，怎麼看怎麼好啊！（這不是崇洋媚外）

陳彥呈看海的日子應該是展覽中最後堪稱是「創作」的攝影作品了，翻開青天白日滿地紅黑漆漆一片，據說是當兵時夜半時分用相機偷偷記錄，所以都是黑色，只有微光，稍稍能瞧見器物或海岸線的輪廓，這是身為男人最痛苦的時刻，被欺壓被管制，離開燈紅酒綠，還要小心兵變，光是聽到這些，都能替從軍的男兒掬一把同情之淚。

他如實呈現夜色，如實反映內心乾枯萎縮的狀況，看海的日子不似旁人幻想這麼浪漫，加入國軍，人生自然變黑白。

再來都是紀實相片。趣味性少了，內涵多了，也就格外沉重。

張乾琦的龍發堂讓我非常陌生，經由導覽解釋後，恐怖的陰影一直徘徊不去，人害怕失去理智，因為大部分的人都害怕失去理智的人，龍發堂不走西方的治療，採用傳統少為人知的模式，兩個兩個鍊在一起，俗稱「感情鍊」，試圖讓兩個個體相互感化，卻也是最為人詬病的行為，大家說這不人道。

什麼是人道？人道在什麼樣的狀況下才成立？醫療常常得透過許多實驗進行結果分析，我很好奇，萬一這個方式當初很成功的讓許多病人轉好，那大家會先選人道還是先選治療？

工傷，雖然模特兒都擺出設計過的動作，整體也帶有刻意塑造的感覺，但看見那麼直接的殘缺仍讓人小小的震驚。這系列還出了書，想表達的意圖相當顯著。

又是一個我沒啥印象的老三台年代，我也沒聽過綠色小組，但這組照片讓我思考攝影師與藝術家之間的關聯。

藝術家通常是將想要表達的意思融入作品中，經過改造後製，把篩選過的畫面呈現世人；但攝影師好像不是如此，尤其新聞從業人員，比起改造，他們更想讓大眾接近真實，在那個媒體掌握於政府高層的年代，相機代替他們蒐證，畫面證明一切，這個時期的攝影師只想透過鏡頭把當下的剎那捕捉下來，成為最客觀真實的證物，與現在的挑角度、美圖秀秀是完全不一樣的概念。導覽說，敢把底片秀出來的，都不是藝術家。

因此我歸納一個結論：藝術家可以是攝影師，但攝影師不等於藝術家。

結束。